Exposición: 22 Marzo – 30 Abril 2023
Inauguración: Miércoles 22 Marzo, 18:30 – 21
White Conduit Projects expone la colectiva de Enrico Osamu Oyama, Wiebke Leister y la valenciana Silvia Lerin.
‘White Conduit Projects’ (1 White Conduit Street, N1 9EL Londres)
La abstracción geométrica no pretende representar nuestro mundo visual cotidiano. En cambio,
puede usar formas y cenefas para crear patrones que son a la vez irracionales y de transición.
Existe una extraña sensación de familiaridad entre un lugar que obedece a la más estricta ley de la geometría, y un estado de frenesí y caos del alma donde se pueden experimentar los sentidos, por ejemplo, en una plaza de toros, en círculos de talismán, una parte de los pentagramas pintados en el suelo.
Platón dijo que “Dios está siempre en la geometría”. Estableció una visión matemática de la naturaleza única en Grecia que se convirtió en la base de puntos de vista del mundo occidental, mientras que también era un místico entusiasta que en gran medida influyó en las generaciones posteriores. En otros continentes, la vanguardia rusa convirtió la energía de la reforma política en carteles de propaganda utilizando formas geométricas. La arquitectura tradicional japonesa del salón de té con sus líneas geométricas simples influyó en la Bauhaus. El revolucionario estético Sen no Rikyū (1522-91) es conocido por perfeccionar el ritual chanoyu de la ceremonia japonesa del té, al crear un salón de té que está cerrado desde el exterior y se convierte en un espacio extraordinario donde la tensión aumenta en forma de un cerrado microcosmo.
La práctica artística de Enrico Isamu Oyama se basa en la cultura del arte callejero de las décadas de 1970 y 1980 en Nueva York. Viviendo en Nueva York y Tokio, ha creado innumerables pinturas y murales, vinculando la cultura del ‘graffiti’ del aerosol con el arte abstracto y la tradición japonesa. Creó patrones de líneas palpitantes en blanco y negro con una profundidad tridimensional llamada Quick Turn Structure (QTS): motivos mínimos y fluidos de líneas repetitivas, desarrollados a partir de la cultura del graffiti.
Sus partes de QTS se asemejan a las formas antiguas de arrojar un cuchillo ninja japonés, que aparecen en muchos de sus trabajos en diferentes medios.
La colaboración con la tecnología de impresión StareReap de RICOH permitió la primera serie totalmente digital SPECULA de Oyama. Aquí, la forma afilada y punzante del el movimiento se redujo mucho en tamaño, creando un efecto de mandala fractal.
Para la serie Founded Objects, Oyama ha ampliado aún más su uso de diferentes medios al superponer QTS en las diversas superficies de dibujos, fotografías y grabados que se encuentran en las tiendas de antigüedades desde el punto de vista material, conceptual y social.
Para FFIGURATI #461, representa a QTS en un grabado en madera ukiyo-e de un actor de kabuki del legendario Sharaku Toshusai, cuyos retratos de actores fueron un éxito sensacional en la cultura idiosincrásica de Edo, mientras que hoy en día no se sabe mucho sobre su propia identidad como Banksy.
El enfoque interdisciplinario de Wiebke Leister combina técnicas de fotografía, performance y collage para encarnar máscaras y expresiones faciales asociadas con el drama Noh japonés.
Como investigadora artística, su trabajo está interesado en las formas de traducir el movimiento y la vitalidad en la imagen fija.
Su proyecto de 2018 ‘Echoes & Callings’, encargado por Akiko Yanagisawa como una actuación de collage en vivo con improvisación sonora para Noh Reimagined at Kings Place, que Ma Bibliothèque (ed. Sharon Kivland) publicará esta primavera, se centró en las transformaciones de mujeres enojadas en feroces demonios.
Su nuevo trabajo, ‘On Edge’, utiliza patrones geométricos y líneas de papel doblado con pintura en aerosol, crayón, acuarela y grafito para evocar las ilusiones ópticas creadas por las formas triangulares y los reflejos dorados de los movimientos de danza serpenteante de la diablesa Hannya, con la ayuda de múltiples capas de prendas de kimono drapeadas. El patrón triangular de Uroko mon utilizado en su disfraz representa las escamas de una serpiente feroz, complementado con una máscara facial con una boca abierta de colmillos dorados despiadados y ojos saltones, una peluca salvaje de cabello largo, pantalones divididos que cuelgan detrás del actor, mientras que también sosteniendo un palo de golpes.
Un actor de Noh en Dōjōji, por ejemplo, usa un kimono hecho de los patrones triangulares derivados de las escamas de una serpiente juegan el papel de una persona que de repente está poseída por la ira.
El kimono es una extensión de las emociones del actor, y los patrones geométricos nacidos de la tradición atraen a la audiencia cuando los usa el actor, transformándose de un objeto a un artefacto emocional. El dibujo de Leister visualiza este espacio liminal.
La gente no siente la monotonía y el minimalismo de las formas simplificadas de su obra. Por el contrario, es una experiencia poética, orgánica y holística de ser abrazado por estar en un bosque. Su efecto de oxidación es como ver el tiempo fluir lentamente y cambiar cada hora.
En su obra escultórica de 2012, el tiempo se detiene y el tiempo se condensa. Aquí está la retórica del juego de Lerin. El papel imita el cobre, y en el trabajo de cobre, el metal se dobla quebradizo como un origami y su superficie es como papel estucado. Su obra se compone de dos elementos opuestos que están constantemente representados por el yin y el yang, dibujando pinturas abstractas orgánicas en geometría.
Estos tres artistas nutren el ritmo de la ‘energía’ y la ‘vida’ en formas geométricas, y continúan creciendo y expandiéndose dentro de sus imágenes, estabilizando todo para el espectador y conectando los mundos naturales y materiales contradictorios, el presente y el pasado y presentando el ritmo de vida.
